6月にブログで紹介した映像学科2年生の「製作研修I」という授業、みなさん覚えていますか？

この授業を担当しているのは、映像学科教授で映画監督の田中光敏先生。
「利休にたずねよ」「サクラサク」「海難1890」などの劇場映画を監督し、数々の賞を受賞されています！

「製作研修I」での課題は年度によって異なるのですが、今年は2班に分かれて、5分以内のショートフィルム制作を行うことになりました。

夏真っ盛りの8月。
学生たちがやってきたのは、京都の太秦です。

太秦は「日本のハリウッド」と呼ばれた場所で、日本映画の発祥の地とも言われています。
1926年に「東映京都撮影所」の前身である「阪東妻三郎プロダクション太秦撮影所」が発足して以来、90年もの歴史を重ねてきました。
東映京都撮影所と言えば、これまでに「素浪人 月影兵庫」「銭形平次」「任侠シリーズ」「実録シリーズ」「極道の妻たち」など数多くの名作を生み出した場所です！
実は、大阪芸大の卒業生もスタッフとしてたくさん活躍しているんですよ！

今回の撮影場所になったのは、京都撮影所に隣接する「東映太秦映画村」。
村内に再現された江戸の町では、実際のテレビや映画の撮影も行われ、その様子を見学することができるテーマパークとして人気を集めています。

撮影所・映画村で学生が実習を行うのは、初めてのことだそうです！！

ショートフィルム撮影で出演するのは、なんと東映のプロの役者さん！
さらに、プロの照明技師や録音技師の方々もお越しになり（卒業生の方もいらっしゃいました！）、学生たちの指導をしてくださいました。

田中光敏先生
「まだ2年生なので、普段の映像学科の撮影では、先生（プロ）のアシスタントに付いて学ぶことが多い。
でも今回は、監督・撮影・照明・録音・美術など全て、学生それぞれが担当しています。
しかも、プロの役者や技師がいる中で撮影を行っているので、大学では気づけないことも身に付いて、大変刺激になっていると思います。」

撮影現場では、学生たちがプロから指摘を受ける場面も見受けられました。
例えば、役者の立ち振る舞いについて。
監督の学生が指示したことに対して、「この動きは不自然ではないか」「キャラクターの性格を考えると、この行動は矛盾しているかも」など、鋭い意見も出てきました。

また、日中だったので、太陽の光が差し込んだり、日陰になったりコロコロ変わっていたのですが、これが撮影においてはとても厄介のよう！
カメラの明るさが変わってしまうだけでなく、カットの繋がりがおかしくなってしまったり、照明効果が上手く得られなくなってしまったり…。
雲の動きを見て、どのシーンから撮影すべきか判断するのも重要なんですね。

厳しい指摘を受けながら、一歩ずつ成長していく学生たち。
大学内の授業で受ける指導より、プロのいる実際の撮影現場で言われる方が、その場で吸収できることが多いのかも知れませんね。

参加した学生たちは、「プロの方々と一緒に撮影ができて、とても勉強になった！同じように真似たつもりでも、プロの技は全然違う」と声を揃えていました。

完成後の作品発表はまだ未定だそうですが、ぜひ見てみたいですよね！
新しい動きがありましたら、またブログで紹介します★

投稿：島田（企画広報部事務室）

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今日は、映像学科教授で映画監督の田中光敏先生が担当されている「製作研修Ⅰ」という授業にお邪魔しました。

田中先生は元々CMディレクターとして活躍されており、2001年に「化粧師 KEWAISHI」という作品で映画監督デビューされました。
その後、「精霊流し」「火天の城」「利休にたずねよ」「サクラサク」といった劇場映画を監督し、数々の賞を受賞！
昨年は、日本とトルコの友好125周年を記念して制作した映画「海難1890」が公開され、第39回日本アカデミー賞にて最優秀美術賞・最優秀録音賞を受賞しました！

「製作研修Ⅰ」で学生たちが取り組むことは年度によって異なり、これまで産学協同ドラマ・映画の制作なども授業の一環で行ってきました。
今年は、なんと8月に東映京都撮影所で撮影を行ってのショートフィルム制作を予定しているそうです！！

受講しているのは、映像学科の2年生14名。
今日は、実際に制作する前の事前説明や、心構えなどが話されました。

まずは田中先生がこれまでに制作したCM作品を紹介。
中には約25年前に制作したデジタル映像作品もあり、当時は1秒間のCG部分をレンダリング（※）するのに丸2日かかったそうです！
※レンダリングとは…画面・画像の内容を指示するデータ(数値や数式のパラメータ、描画ルールなど)を、コンピュータプログラムで処理して、具体的なイメージを表示させること。

「道具というものは、日々進化していく。どんなにその時代の最先端技術を使って映像を作っても、少し時が経てば、すぐに古臭いものになってしまう。僕の昔の作品を見せたのは、それを知ってもらうため」とおっしゃる田中先生。
ですから、新しい技術を使って鮮やかな映像を見せるよりも、”何を伝えたいか”を明確にして、表現をしなければ良い作品にはならないのだそうです。
技術に頼るのではなく、自身の頭の中にあるアイディアや発想力を大切にして、ショートフィルム制作に臨んで欲しいという田中先生の想いが込められたコメントでした。

また、映画制作におけるカメラワークの活用についても紹介されました。
カメラワークと言えば…

ズーム…レンズを用いて被写体の像を拡大したり縮小したりすること
パン…カメラの位置を固定したまま、左右または上下に動かすこと
フォーカス送り…被写体の距離に合わせて焦点を任意に変えること

などを基本として、さまざまな手法がありますよね！

これらは、映像学科の学生たちならすでに知っていることだと思います。
しかし今回の授業では、ただカメラのテクニックを伝えるのではなく、映画を撮る上でそれぞれの動作にどういう意味合いが込められるのかが話されました。

例えば田中先生は、映画の中ではズームをあまり使わないそうです。
なぜかというと、先生は作品を”人物の目線”で見せているからだそうです！
ズームという動作は人間の目に備わっていない動きなので、ズームで映像を見せると不自然に感じてしまうのだそうです。
※もちろん、監督によってズームを効果的に多用する方もいらっしゃるそうです！

このように、単なる技術を知っているだけではなく、意図した通りに表現できるカメラワークを知ることが、大切なことなんですね。
私も大変勉強になりました。

8月の東映京都撮影所での撮影の様子も、追いたいと思います！！
みなさん、お楽しみに♪

投稿：島田（企画広報部事務室）

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みなさんは、アニメーションがどのようにしてできているか、ご存知ですか？

1990年代までは、「セル画」といって、「セル」という透明シートに輪郭や境界線をトレスし、「アニメカラー」と呼ばれる専用塗料を使って着色していました。
そして、セル画と背景を組み合わせて撮影して動きを付けたり、組み合わせを変えて別のシーンを作ったりしていたそうです。

動画にするための手法はさまざまで、代表的なものは、
1秒あたり24枚のセル画を撮影して、人物の自然な動作を追求して表現する「フル・アニメーション」と、
1秒あたり12枚のセル画・2コマ/1枚のセル画で撮影して、簡略化した動作を表現する「リミテッド・アニメーション」。
そして日本独自のスタイルでは、1秒あたり8枚のセル画・3コマ/1枚のセル画で、キャラクターの目や口など部分的なセル画を作成して一部だけの動作を表現し、低予算でアニメを制作していました。

一番枚数の少ない日本の手法であっても、10分間の映像のために4800枚ものセル画が必要な計算になるので、考えただけでも大変な作業量ですよね！！

そんなアニメーションに変革が起きたのは、1990年代後半。
コンピューターによるデジタル画像処理でアニメーションを制作する、デジタルアニメが導入されるようになりました。
それまでセルアニメで制作されていた作品も2000年頃から徐々にデジタル制作に移行され、2013年には日本で放送されている全てのテレビアニメがデジタルになりました。

今や、アニメーション業界ではデジタル技術は必須項目となっています！
では、気になるデジタルアニメ制作って、どんな風に行われているのでしょうか？

ということで、今日は映像学科の佐藤貴雄先生が担当されている「デジタル映像編集Ⅰ」という授業をご紹介します。

この授業では、主にAdobeのソフト「Photoshop」と「After Effects」を使って、ポストプロダクション（編集や音編集、色調整、納品形態への書き出しなど、映像制作における撮影後の作業のこと）に必要なデジタル映像技術、コンピューター知識などを身に付けます！

Photoshopは写真編集をメインとした画像加工ソフトですが、イラストやデザイン制作などにも用いられます。
After Effectsは、素材となるクリップや画像、テキストなどを重ねて、映像制作を行うソフトウェアです。

この日は、Photoshopで描いたキャラクターを使って、After Effectsでアニメーションを作る授業が行われていました。

まずはソフトを起動して、キャラクターのデータを読み込むところから作業がスタート。

ちなみに、Photoshopではこのように「レイヤー」と呼ばれる層に分けて絵を描くことができます。

聞き慣れない専門用語がたくさん出てきますが、いくつか解説しながら紹介していきますね。

Aftter Effectsでデータを読み込む際には、「フッテージ」（素材）と「コンポジション」（素材を組み上げるための箱のようなもの）の2つの種類から選びます。
フッテージで読み込むとレイヤーを統合して1枚の画像として、コンポジションで読み込むとレイヤーを活かして編集ができます。
レイヤーを活かせば、手と足をバラバラに動かしたりすることができるのですが、今回は初めてなので、まずはフッテージで読み込んだものを編集をしてみることになりました。

フッテージとして読み込んだ素材に、さまざまな効果を与えてアニメーションにします。

この画像データに、「デュレーション」を設定します。
デュレーションとは映像の尺のことで、映像業界ではAfter Effectsに限らずよく使用する言葉だそうです。

そして、画像のようなパラメーターに直接数字を打ち込むか、素材をマウスで感覚的に動かして数値を決めます。
「アンカーポイント」は、素材を拡大縮小したり回転させる時の中心点となる場所。
他に、「位置」、「スケール」、「回転」、「不透明度」が選択できます。
※これらのことを「トランスフォーム」と言います。

アニメーションを付けるためには、このひし形のマーク「キーフレーム」を必要なところに打っていきます！
例えば、始まりから3秒後にスケールを200％に設定してキーフレームを打ち、さらに6秒後に100％にしてキーフレームを打つと、”キャラクターが3秒間拡大して2倍の大きさになり、その後3秒かけて元の大きさに戻る”といったアニメーションが付けられるんです！

このトランスフォームの数値を変えてキーフレームを打つだけで、カエルがピョンピョン跳ねたり、ぺちゃっとつぶれたり、くるくる回転するアニメーションができるんですよ。

自分の思い通りにキャラクターが動いたら、面白いですよね！！
学生たちも夢中になって編集作業を行っていました。

今回紹介した作業は、まだまだAfter Effectsの入り口！
今度はレイヤーを活かした編集をしたり、複数の素材を組み合わせたり、エフェクト（効果）を使って演出することで、表現の幅はほぼ無限大！！
私も、佐藤先生に教わったことを思い出しながら、今度アニメーション制作にチャレンジしてみたいと思います♪

投稿：島田（企画広報部事務室）

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