この展覧会は、大阪芸大出身のメンバーを核に制作を続けるユニット、Kunst Kraft Klub（クンストクラフトクルップ）が企画した展覧会で、１１月７日から１９日まで行なわれました。出品者は浜本隆二さん、福田新之助さん、三村逸子さん、山本修司さんです。
今回の企画意図は、｢多種多様に展開されている現代アートシーンの中で、新たな世界基準を想像させる創造を意識した｣展覧会ということです。
出品者のそれぞれが確立した表現方法やテーマで制作されており、むしろ共通するものを見るには難しいと思いました。しかし、企画意図にある内容を考えればむしろベクトルが異なる作品類が必要とされるのかも知れません。そのベクトルの違いはモダニズム以降のアート状況を考えれば必然的なことであり、そしてこのユニットが２０年以上続いていることからも切り離す事が出来ないと思います。
私の経験では、ある緩やかな個人と共同体（１９７０年後半から８０年代の言葉）の関係からコラボレーション（共同作業から協働作業）へと展開してきたように、自立する個人（アーティスト）とそれぞれの新たな関係を探求しながら、核的個人をも変容し続け持続していることそのものに今回の作品と展覧会のテーマの深部があるように私には思えました。
日本のイメージを表層とした作品は、浜本さんと福田さんの作品です。絵画全体が印象深い青で描かれイメージは噴火する富士山と鳥（鷺？）を描き出しています。私は、不安と衝撃を噴火する富士山で感じ、安定して飛ぶ鳥で安心と心地よさを感ずることができ、同時に異なる感情が生まれる作品でした。福田さんの作品は背景と日本国の紋章である桐紋イメージが双方とも力強いラインで描かれています。二人のアーティストとも日本の特有のイメージを引用しながらも、浜本さんの作品はアニメ画や古典主義美術のように筆跡を無くすことによりアーティストの存在を隠し、イメージから物語の彼方に鑑者を誘う作品で福田さんの作品は、力強い筆跡でアーティストの存在が極めて強く感じ、鑑者を現実の肉体へと連れ戻すような感じに受け取る事ができました。二人とも共通するイメージを使いながら異なる性質の絵画であったと思います。
報告 加藤隆明教養課程講師 協力 芸術計画学科研究室
gallerismとは何かを、簡単に説明をします。このアートイベントは最初、｢大阪現代アートフェアー｣として始まり｢画廊の視点｣次に｢gallerism｣と名称を変え通算２８年続いた展覧会です。京阪神の現代美術に力を入れる画廊が主体となりこの企画が運営されています。
文章を一部引用します。
そして、その中で作品が生まれてゆく現場に立会うことで、見る人の共感につなげてゆく。この現場意識こそが、最も大切なことだと考えております。・・・時代の要請に応じて、さまざまな形の合同展やアートフェアーが派生し、役割が細分化され、現代美術はより身近なものになりました。・・・
今回でこの企画の終焉の理由が述べられていました。いろいろな考え方があると思いますが、私としてはコマーシャルギャラリーやアートフェアーだけでアートの真髄が見えるとは思いません。アートは人間の深淵が凝縮されています。それを経済優先やアートの有効利用活動だけでは不本意だと感じています。これらのギャラリーの存在が、そこから抜け落ちた思考や方法に対応しそれを支える事が出来るのではないかと思うからです。
久野さんのコメントを一部引用します。
久野さんの経験から生まれた世界観と作品の関係が窺える内容です。
作品は、私達が視覚で捉えてきた世界を切り取り、複数の時間を同一画面に取り入れ、そこに現れてきたものを単純化ぎりぎりの線と色彩に還元し、そして平坦な画面構成に配慮しながら、奥行きのある広大なイメージを作り出しているように感じ取れます。久野さんの云う｢ここは天国｣とは何か、｢現実にある場所｣とは。現在に生きる私達にとって興味ある｢問い｣です。
福井県鯖江市のまなべ館のオープニングトーク｢瑛九との軌跡―木水育男(奥右衞門)を巡る人々｣を聴講させていただきました。瑛九作品の鑑賞も重要でありましたが、タイトルにある｢木水育男(奥右衞門)を巡る人々｣への関心とオープニングトークにお話される１人に、木水さんの長男木水創さん（美術学科卒）がおられるということも聴講させていただいた理由です。
写真はシンポジュームの様子です。木水創さん（立ってお話されている方）、美術関係者だけでなく、木水育男さんとともに瑛九や若いアーティストを支えてきた人たちも数多く参加されていました。一人一人の体験された言葉には、本や映像では届かない強烈な力がありました。トーク内容の一つに、当時の版画は絵画の下請けのような様子で｢版画を版画として自立した表現媒体にしないといけない、と瑛九さんは話していた｣などの話がありました。
木水育男さんのシルクスクリーン版画作品です。小学校の先生をしていたとの事です。福井県の花水仙を周りに配置し内空間に背景を浮世絵的色彩と構図で描き出し、勤めていた小学校校舎と海はモダンに作られています。
伝統とモダンを織り交ぜた現代でも新鮮な作品です。この作品は小学校のある作品でも見られましたが｢こいのぼり｣ではなく｢ぶりのぼり｣とタイトルにあります。
海に接してある場所だけに、なるほどコイではなくブリの方が、リアリティがありまたユーモラスな作品でもありました。
ギャラリー内は鮮やかな色彩に溢れた作品により、エネルギッシュな雰囲気に包まれていました。多彩な色彩と抽象形態、丸、三角、四角や曲線直線の構成により有機的生命体のようなものにも、現代建築あるいは未来都市にも見える不思議なイメージが描かれていました。
作品に視線を向けると画面から不思議な深みを感ずる事ができ、イメージが浮き上がって見えているのです。そのように見える要素は作品の表面の作り方にあると思います。ほとんどの作品の表面は3層以上の構成によって成り立っています。3層以上の構成ということは｢地と図｣の関係が観者の見方により入れ替わるように作られているということです。
この作品は、あさい黄の基底層に淡い赤や青の絵具でブラッシングのような痕跡を作り、その上に多彩な色による抽象形態そしてその上にまたイメージが被さるという構成になっています。これは｢消失点｣を伴う遠近法（透視図法）ではなく、原初的な空間構成である｢重ね合わせ｣の遠近法により生み出されている空間です。しかし｢重ね合わせ｣の遠近法だけでは重なり合ったイメージ同士の距離に深みは感じることはできません。
その深みはイメージの色彩のトーン差異により知覚することが出来ると思います。この深みは現実の距離ではなく、絵画空間により独自に生み出される奇妙な空間である事が、これらの作品を体験することにより理解できます。
細部のイメージを見てみます。抽象形態で構成されたイメージが何らかの生きもの、例えばクリオネのような微細な可愛らしい生物に見えてしまうのも、イメージの魅力的な見え方であると感じました。